François-Emile Décorchemont

François-Emile Décorchemont (France, 1880-1971), il est né dans une famille d'artistes dont les deux parents étaient plasticiens.

Son père a également enseigné à l'École nationale des arts décoratifs et François y a également été formé de 1896 à 1900. Il travaillait également à la maison dans l'atelier de poterie de ses parents. Il peint et fait de la céramique.

En 1902, il est tellement inspiré par le travail en pâte de noche du verrier Albert Dammouse qu'il commence également à expérimenter ce matériau difficile.
Décorchemont peint principalement des paysages et en 1903 il fait ses débuts au Salon des Artistes Français avec des peintures et quelques vases en pâte de noche. Il a reçu une mention honorable pour ses vases.

Après cela, il s'est entièrement concentré sur le travail avec la pâte de noche et a continué à expérimenter. Ces premières expériences étaient laborieuses, le matériau est si difficile à travailler et si fragile et aussi cher, le temps de cuisson peut aller jusqu'à quelques jours. Néanmoins, il persévère et expose régulièrement aux Salons de Paris, avec succès, recevant plusieurs prix et même une bourse de voyage en 1908, qu'il utilise avec reconnaissance.

A son retour, il s'installe à Conches-en-Ouches. Il s'initie alors également à la technique de la cire perdue, (technique de la cire perdue) par laquelle il essaie d'obtenir l'éclat des pierres précieuses sur la pâte de noche. Il expérimentait encore, avec divers matériaux, températures et temps de cuisson. Chaque œuvre a été polie, parfois un motif a été découpé et parce que la pâte de verre présente souvent des irrégularités telles que des bulles d'air, de grosses bulles d'air et d'autres irrégularités ont été rectifiées.

En 1910, il parvient également à réaliser des pâtes de noche transparentes. Les formes changeaient selon la technique utilisée. Les vases et les bols sont plus épais et souvent de couleur un peu plus foncée, ses décors se simplifient légèrement, poissons, scarabées, libellules, motifs de feuilles et de fleurs et masques en relief.

Il expose ses nouvelles oeuvres au Salon des Artistes en 1911 et en 1912 au Salon d'Automne et reçoit aussitôt la médaille d'or.

En 1914 Décorchemont est contraint d'arrêter toute production en raison du déclenchement de la Première Guerre mondiale, les travaux ne sont repris qu'en 1919. Dans les premières années, il réalise le même travail qu'avant les années de guerre, il incorpore régulièrement des masques dans ses créations, comme symbole de la peur de la guerre et de la sérénité de la paix.

Au cours des années 1920, les dessins de Décorchemont sont souvent devenus plus stylisés, il a également commencé à utiliser des motifs géométriques. Les figures étaient souvent incorporées dans ses poignées, comme des caméléons, des serpents, des poissons et des cariatides. Les couleurs sont restées en grande partie telles qu'elles étaient, mais souvent le verre était marbré, rayé et il utilisait également les nombreuses bulles d'air créées lors du processus de fabrication. Il a également commencé à imiter la tortue.

La renommée de Décorchemont grandit rapidement et il obtint de nombreux postes honorables dans les différents Salons de Paris. Ses œuvres sont devenues (et sont toujours) très précieuses.

Il expose également à l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925 à Paris. Son travail est visible dans plusieurs pavillons, comme l'Hôtel d'un Collectioneur de Jacques Ruhlmann. Il a également participé à de grandes expositions spéciales internationales, notamment à Genève, aux États-Unis, à Athènes, à Amsterdam et à Barcelone.

Sa galerie habituelle était la Maison Géo (Galerie Rouard Paris), une galerie qui proposait l'art de tous les grands artistes progressistes dans le domaine des arts appliqués de l'époque, tels que Jean Luce, Marinot, Heiligenstein, Goupy, Navarre, Thunet Sala, Mayodon etc.

À la fin des années 1920, ses créations n'étaient que de forme purement géométrique avec une décoration minimale. Les surfaces étaient souvent rectifiées pour souligner la forme cubiste.

Dans les années 1930, sa production est devenue beaucoup moins importante car il était complètement absorbé par la fabrication de vitraux. Après la Seconde Guerre mondiale, il se remet à travailler la pâte de noche, à petite échelle, en plus de ses vitraux. Il a continué à le faire jusqu'à sa mort en 1971, alors qu'il avait 91 ans.