La différence entre l'art moderne et l'art contemporain expliquée
"Quelle est la grande différence entre l'art moderne et contemporain ?" C'est une question souvent posée par les nouveaux venus sur le marché de l'art. Heureusement, la différence et la transition entre ces deux styles artistiques ont été largement décrites par les historiens de l'art. Dans cet article, nous résumons pour vous les principales différences et caractéristiques entre l'art moderne et contemporain.
Le début de l'art moderne et la libération des principes classiques
Il est difficile de dire exactement quand l'art moderne a commencé. Cependant, il existe un consensus général sur le fait que les racines de l'art moderne se trouvent en France au milieu du XIXe siècle. Des artistes comme Gustave Courbet (1819-1877), Edouard Manet (1832-1883) et le mouvement impressionniste ont innové en défiant les traditions académiques dominantes et en poussant plutôt vers une représentation naturaliste du monde. Le 'Déjeuner sur l'herbe' de Manet (fig. 1) est l'un de ces exemples révolutionnaires. L'œuvre a été exposée pour la première fois au Salon des Refusés de 1863, une exposition populaire à Paris qui rassemblait toutes les œuvres rejetées de l'exposition officielle du Salon. Là, cela a généralement suscité des rires et de l'indignation.
1. Exemple des débuts de l'art moderne : Éduard Manet, Le Déjeuner sur l'herbe, 1863, huile sur toile, Musée d'Orsay, Paris.
Apparemment, le public était le plus mécontent du cadre "normal". Le tableau montre une femme nue en compagnie de deux hommes, vêtus de vêtements de tous les jours, profitant d'un pique-nique dans l'herbe. Il ignore complètement la tradition classique et mythologique, à la suite de laquelle la nudité des femmes était perçue comme inappropriée. De plus, les critiques ne pouvaient pas comprendre la représentation irréaliste du paysage forestier et ont été particulièrement offensés par la baigneuse en arrière-plan, qui n'avait aucune fonction dans ce tableau.
L'art moderne et défiant le rôle de représentation
Alors que l'œuvre de Manet a troublé les critiques, elle a ouvert la voie aux postimpressionnistes. Ils se distinguaient par le choix de leurs sujets et leur rejet d'un regard collectif sur les choses. Paul Cézanne (1839-1906) fut l'un des postimpressionnistes les plus importants ; dans son travail, il a mis l'accent sur les lignes, les surfaces et les couleurs qui composent la nature, ce qui donne une image plus abstraite.
Dans le tableau "Mont Sainte-Victoire vue de la carrière de Bibemus" (1897, fig. 2), Cézanne a traduit ses observations directes de la nature en petites taches de couleurs plus chaudes et plus froides, ce qui a provoqué un changement dans la perception générale.
Art moderne et formes fragmentées
Inspiré par les tentatives de Cézanne de libérer la peinture de son rôle de représentation et de se concentrer plutôt sur des formes pures, Pablo Picasso (1881-1973) a repoussé encore plus loin les limites de l'abstraction.
Les Demoiselles d'Avignon' (1907, fig. 3) est peut-être l'un des exemples les plus caractéristiques de cette transition. La peinture montre cinq nus féminins, mais leurs formes sont fragmentées et entrelacées avec le fond tout aussi fantaisiste. Avec ce tableau, Picasso a complètement abandonné le concept traditionnel d'un espace pictural unifié pour la première fois dans l'histoire.
La peinture a jeté les bases du mouvement cubiste, dans lequel un sujet est fragmenté en ses composants géométriques et souvent représenté sous plusieurs angles à la fois. Bien que les cubistes aient hyper-fragmenté leurs sujets, les formes étaient toujours reconnaissables.
L'art moderne et la "non-objectivité"
Wassily Kandinsky (1866-1944) a été l'un des premiers artistes qui, poussé par son intérêt pour la philosophie, la religion, les théories scientifiques innovantes et la musique, a peint de manière totalement non objective, comme le montre la 'Composition VII' (1913, fig. . 4). Ce tableau montre comment l'artiste a rejeté la « représentation picturale » à travers une valse tumultueuse de formes, de couleurs et de lignes, qui ne montre aucun point de départ clairement discernable dans la représentation de sujets reconnaissables.
Même si les ambitions artistiques de Manet, Cézanne, Picasso et Kandinsky diffèrent, toute leur œuvre est considérée comme de l'Art Moderne. L'art moderne était une réponse esthétique à la modernité, aux changements fondamentaux de la société résultant de la révolution industrielle et de l'introduction de l'économie capitaliste moderne.
En conséquence, les artistes ont commencé à décomposer les formes et à s'interroger sur le rôle général et représentatif de la peinture. Cela s'est développé lentement à travers une série de mouvements artistiques. En plus de l'impressionnisme, du post-impressionnisme et du cubisme, des mouvements tels que le symbolisme, le fauvisme, le futurisme, le suprématisme, le constructivisme, le dadaïsme, le surréalisme et l'expressionnisme abstrait appartiennent également au parapluie de l'art moderne.
Art contemporain et concept par rapport à l'œuvre finie
La plupart des historiens de l'art désigneront la fin des années 1960 comme un tournant majeur pour le monde de l'art. En général, l'art créé après cette période peut être considéré comme de l'« art contemporain », y compris l'art conceptuel, l'art de la performance, le minimalisme, le pop art et l'art vidéo. À partir de la fin des années 1960, le concept sous-jacent devient notamment plus important que les qualités esthétiques de l'œuvre.
Pour la première fois dans l'histoire, le processus de création artistique a reçu plus d'attention que le produit final. Ce processus nécessitait même parfois la participation du public, comme dans « Performance Anthropometry of the Blue Period » d'Yves Klein (1960, fig. 5).
Mais c'est aussi le sens et la valeur culturelle de l'art lui-même qui ont été remis en question par les artistes. Un exemple célèbre est le premier ouvrage conceptuel de Joseph Kosuth (1945) "One and Three Chairs" (1965, fig. 6), dans lequel une vraie chaise est accompagnée d'une photographie de la chaise et de la définition du dictionnaire du mot "chaise".
Cette juxtaposition suggère que l'image et le texte sont devenus interchangeables, éliminant la distinction traditionnelle. En questionnant le statut d'une photographie, Kosuth questionne tout art figuratif. Ce travail a jeté les bases d'une tendance à privilégier l'idée ou le concept d'une œuvre par rapport à l'objet physique. Ce débat intrinsèque est essentiel pour l'art contemporain. Pour le reste, l'art contemporain englobe un million de styles et d'approches différentes de l'art.
Art contemporain et engagement social
Une grande partie de l'art contemporain des trente dernières années est également liée à des enjeux sociaux et politiques. L'œuvre 'Sirens of the Lambs' (2013, fig. 8) de l'artiste de rue Banksy montre un couple de poupées-animaux grinçant hors d'un camion de peur. C'est une critique flagrante de la cruauté désinvolte de l'industrie alimentaire.
Un autre exemple d'art contemporain est l'artiste controversé Damien Hirst (1965), qui réalise des peintures et des sculptures figuratives et non figuratives (fig. 7).
Conclusion : les plus grandes différences entre l'art moderne et contemporain
Ici, nous énumérons brièvement les plus grandes différences entre l'art moderne et l'art contemporain. Tout d'abord, l'Art Moderne et l'Art Contemporain sont issus de deux époques différentes. La période de l'art moderne comprend principalement des œuvres de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, à peu près des années 1880 aux années 1960. L'art moderne est aussi souvent une expression de l'individualité. Alors que l'art contemporain est plus axé sur l'impact social, avec la société comme objectif principal. On peut aussi dire que l'Art Contemporain se concentre principalement sur le présent et l'avenir et que l'Art Moderne fait référence à une époque déjà révolue.
Nous espérons que cet article vous a permis de mieux comprendre les différences entre ces deux styles artistiques.
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* L'image dans l'en-tête est "Color Study. Squares with Concentric Circles" de Wassily Kandinsky, 1913. Aquarelle, gouache et crayon sur papier 9,4 × 12,4" (23,8 × 31,4 cm), Munich, The Städtische Galerie im Lenbachhaus
